Kill Bill: The Whole Bloody Affair (2004)

Per oltre vent’anni il pubblico ha conosciuto Kill Bill come due film distinti. Eppure Quentin Tarantino lo aveva concepito, scritto e girato come un’unica opera. Quando la durata dell’opera rese impossibile distribuirla nelle sale in quella forma senza interventi pesanti sul montaggio, la soluzione fu dividerla in due volumi anziché rinunciare a una parte significativa del materiale girato. Tra il 2003 e il 2004 arrivarono così nelle sale Volume 1 e Volume 2, due capitoli che hanno contribuito a costruire il mito del film e della sua protagonista.

Nel maggio del 2004 Tarantino presentò a Cannes The Whole Bloody Affair, la versione che riuniva l’intero racconto in un’unica proiezione. Per anni questa edizione è rimasta una rarità conosciuta soprattutto dagli appassionati e proposta soltanto in occasioni speciali. Nel maggio del 2026 è arrivata anche nelle sale italiane per un periodo limitato grazie a Plaion Pictures, offrendo finalmente la possibilità di vedere Kill Bill nella forma in cui era stato pensato in origine.

Al centro del racconto c’è una donna a cui viene tolto tutto e che intraprende un lungo percorso per riprendersi ciò che ha perso.

Beatrix Kiddo (Uma Thurman) è una ex assassina della Deadly Viper Assassination Squad che ha deciso di lasciarsi alle spalle il proprio passato per iniziare una nuova vita. Il giorno del suo matrimonio, però, un gruppo guidato da Bill (David Carradine) irrompe nella cappella e massacra tutti i presenti. Beatrix sopravvive all’attacco, ma finisce in coma per anni. Quando si risveglia scopre che tutto ciò che aveva cercato di costruire è stato distrutto e che anche la figlia che portava in grembo sembra essere stata perduta. Da quel momento intraprende un percorso che la porta a cercare uno dopo l’altro i responsabili di quel massacro.

La sua ricerca attraversa luoghi e realtà molto diverse tra loro. Dall’incontro con Hattori Hanzo (Sonny Chiba), leggendario costruttore di spade, fino allo scontro con O-Ren Ishii (Lucy Liu), una delle figure più influenti della criminalità giapponese, Beatrix affronta persone legate al suo passato e ricostruisce poco alla volta gli eventi che l’hanno condotta fino a quel punto. Ogni tappa aggiunge nuovi dettagli alla sua storia e la avvicina sempre di più all’uomo da cui tutto è cominciato.

Proseguendo lungo questo cammino, Beatrix si confronta con gli altri membri della squadra, tra cui Budd (Michael Madsen) ed Elle Driver (Daryl Hannah), mentre riaffiorano ricordi fondamentali della sua formazione, compreso il duro addestramento impartitole dal maestro Pai Mei (Gordon Liu). Quello che era iniziato come un regolamento di conti assume progressivamente un significato più ampio, conducendola verso il confronto finale con Bill e verso le risposte che cerca da anni.

Quentin Tarantino dirige Kill Bill spostando il suo cinema su un terreno diverso da quello che lo aveva reso riconoscibile negli anni ’90. I dialoghi restano importanti, ma qui non sono più l’elemento che domina ogni cosa. Il racconto passa soprattutto dai corpi, dai movimenti, dai tempi d’attesa prima di uno scontro, dal modo in cui Beatrix cade, si rialza, impara, resiste e torna a muoversi nello spazio. È un film in cui l’azione non serve solo a riempire la scena: diventa il modo attraverso cui la protagonista attraversa il dolore e ricostruisce la propria forza.

La regia cambia pelle di continuo, ma ogni cambiamento trova il proprio posto all’interno del racconto. Tarantino passa dal cinema di arti marziali al western, dal chambara giapponese all’exploitation, dall’anime al melodramma, incorporando linguaggi, immagini e suggestioni che appartengono al cinema che lo ha formato. Perfino la celebre tuta gialla di Beatrix richiama apertamente Bruce Lee e L’ultimo combattimento di Chen (1978), ma questi elementi non restano semplici omaggi visivi: vengono integrati all’interno del racconto e della sua identità. La Casa delle Foglie Blu ha l’energia del cinema orientale più fisico e spettacolare; il tratto dedicato a Budd rallenta, si sporca di polvere e assume un respiro quasi western; il confronto con Bill abbassa il tono e porta il film in una dimensione più intima. Ogni cambio di registro segue una tappa del viaggio, non una voglia di stupire fine a sé stessa.

In questo equilibrio ha un peso enorme anche il montaggio di Sally Menke, collaboratrice fondamentale di Tarantino. Kill Bill è un film costruito per capitoli, salti temporali, accelerazioni improvvise e pause molto dilatate. Nella versione unica di The Whole Bloody Affair questo lavoro emerge con ancora più chiarezza, perché le due anime del racconto non appaiono più come parti separate, ma come movimenti diversi della stessa opera. La prima parte spinge sul gesto, sul sangue, sulla fisicità e sull’impatto visivo; la seconda rallenta, apre spazi più larghi, lascia entrare il passato e prepara il confronto finale. Il montaggio tiene insieme tutto questo senza appiattire le differenze, lasciando che il film respiri in modi diversi a seconda del punto in cui si trova Beatrix.

Anche la musica entra dentro questa costruzione. Tarantino non la usa come semplice accompagnamento, ma come parte del ritmo interno delle scene. I brani scandiscono ingressi, attese, esplosioni di violenza, momenti di sospensione e improvvisi cambi di tono. In certi passaggi sembra quasi che il montaggio si muova insieme alla musica, trovando in essa una seconda struttura narrativa. È uno dei motivi per cui molte sequenze continuano a colpire anche dopo numerose visioni: restano impresse non solo per quello che mostrano, ma per il modo in cui immagine, suono e movimento arrivano insieme.

Nella forma unica, le oltre quattro ore scorrono cambiando continuamente ritmo, atmosfera e prospettiva. L’eccesso di sangue, il bianco e nero, l’anime, i rallentamenti, le silhouette, gli stacchi improvvisi, i silenzi prima dei duelli: tutto contribuisce a dare forma a un film che attraversa mondi diversi senza smettere di sembrare sempre e soltanto Kill Bill. È forse il momento in cui Tarantino si allontana di più dal territorio che il pubblico associava al suo nome e, allo stesso tempo, uno di quelli in cui riesce a esprimersi con maggiore libertà. Non perché rinuncia alla parola, ma perché dimostra di poter raccontare anche attraverso il gesto, il ritmo e la presenza fisica dei suoi personaggi.

Se la regia racconta Kill Bill attraverso il movimento, la sceneggiatura si occupa di tutto ciò che quel movimento significa. In superficie la storia sembra seguire uno schema molto semplice: una donna sopravvive a un massacro e decide di vendicarsi delle persone che le hanno distrutto la vita. Tarantino, però, utilizza questa struttura soltanto come punto di partenza. Più Beatrix si avvicina ai nomi presenti sulla sua lista, più il film smette di parlare di vendetta e inizia a parlare di ciò che le è stato sottratto. L’identità della protagonista occupa un ruolo centrale. Per una lunga parte del racconto il suo nome viene nascosto, come se il passato avesse cancellato non solo la sua vita precedente, ma anche la persona che era stata. La Sposa, Black Mamba, l’assassina, la donna in cerca di vendetta: Beatrix attraversa identità diverse prima di poter tornare a riconoscersi davvero. In questo senso il percorso che intraprende assume un significato che va oltre il semplice regolamento di conti. Ogni confronto rappresenta una tappa che la costringe a fare i conti con ciò che era stata e con ciò che vorrebbe diventare.

La maternità occupa un ruolo altrettanto importante. Pur muovendosi all’interno di un racconto dominato da sangue, duelli e morte, Kill Bill trova il proprio nucleo emotivo in qualcosa di molto più semplice e umano. La perdita subita da Beatrix non riguarda soltanto il tradimento o la violenza, ma anche la vita che stava cercando di costruire lontano dal proprio passato. È uno degli elementi che distingue il film da molti altri revenge movie: la vendetta mette in moto gli eventi, ma non basta da sola a spiegare le scelte della protagonista né il significato del suo viaggio.

Anche l’apprendimento assume un’importanza centrale. Beatrix non viene presentata come una figura invincibile, ma come una persona che cade, sbaglia, soffre e impara. La sceneggiatura insiste continuamente su questa dimensione, mettendola di fronte a ostacoli che sembrano insuperabili. La sepoltura viva rappresenta forse il momento più estremo di questo processo: una prova che mette alla prova il corpo e la mente della protagonista e che assume il valore simbolico di una vera rinascita. Il duro addestramento con Pai Mei, l’incontro con Hattori Hanzo e perfino gli scontri con i suoi avversari contribuiscono alla sua crescita. Ognuno di questi passaggi aggiunge qualcosa al personaggio e prepara il terreno per ciò che dovrà affrontare più avanti. La forza della protagonista non nasce da un talento innato, ma dalla capacità di adattarsi e andare avanti nonostante le sconfitte.

In questo equilibrio trova spazio anche uno dei dialoghi più celebri del film, quello in cui Bill parla di Superman. Sarebbe facile liquidarlo come una delle tante digressioni tipiche di Tarantino, ma la scena svolge una funzione molto più precisa. Attraverso quel ragionamento Bill prova a definire Beatrix e, allo stesso tempo, rivela qualcosa di sé. È uno dei momenti in cui la sceneggiatura mette da parte l’azione e lascia emergere il conflitto più profondo tra i due personaggi, trasformando il confronto finale in qualcosa di più complesso di una semplice resa dei conti.

Proprio Bill rappresenta uno degli elementi più riusciti della scrittura. Per gran parte del film la sua presenza aleggia sul racconto senza occupare davvero la scena. Quando finalmente entra al centro della storia, Tarantino evita di trasformarlo nel classico antagonista da sconfiggere. Bill è il responsabile di tutto ciò che è accaduto, ma è anche la persona che conosce Beatrix meglio di chiunque altro. Questo rende il loro rapporto più ambiguo e interessante, spostando il peso del racconto dal desiderio di uccidere qualcuno alla necessità di chiudere definitivamente un capitolo della propria vita.

È qui che la sceneggiatura trova la propria forza maggiore. Dietro la struttura del revenge movie, dietro le influenze del cinema di genere e dietro l’apparente linearità della storia, Kill Bill costruisce il ritratto di una donna che prova a ricomporre sé stessa pezzo dopo pezzo. La vendetta resta una presenza costante, ma non è il punto di arrivo. È soltanto il sentiero che Beatrix percorre per ritrovare ciò che credeva di aver perso per sempre.

È difficile immaginare Kill Bill separato da Uma Thurman. Più che una semplice protagonista, il film viene costruito intorno alla sua presenza. Tarantino le affida il compito di attraversare registri completamente diversi senza perdere credibilità: guerriera, vittima, assassina, allieva, madre. Thurman sostiene ogni fase del racconto con una fisicità che diventa parte integrante della narrazione e riesce a rendere convincenti tanto i momenti più spettacolari quanto quelli più fragili e intimi. Il personaggio nacque proprio da idee sviluppate da Tarantino e Thurman negli anni successivi a Pulp Fiction (1994), trasformandosi col tempo in uno dei progetti più personali della carriera di entrambi. Quel rapporto creativo conobbe però anche una fase difficile durante le riprese, quando un incidente avvenuto sul set causò a Thurman un serio infortunio e incrinò per anni il legame tra attrice e regista.

Di fronte a lei, David Carradine evita la strada più semplice. Bill non è una presenza minacciosa costruita attraverso la forza o l’eccesso, ma una figura che sembra appartenere a un altro tempo. Carradine gli conferisce calma, fascino e una sottile malinconia che rendono il personaggio più ambiguo del previsto. Quando entra davvero al centro della scena, il film non acquista un antagonista tradizionale, ma qualcuno che condivide con Beatrix una parte importante della propria storia. Tra i personaggi che lasciano maggiormente il segno c’è anche Budd, interpretato da Michael Madsen. A differenza degli altri membri della Deadly Viper Assassination Squad, Budd appare consumato dal tempo, lontano dall’immagine quasi leggendaria associata al gruppo. Madsen costruisce un personaggio stanco, disilluso e profondamente umano, capace di portare nel racconto una dimensione diversa rispetto a quella degli altri avversari affrontati da Beatrix.

Lucy Liu e Daryl Hannah rappresentano invece due facce molto diverse dello stesso passato. O-Ren Ishii e Elle Driver sono tra le figure più iconiche del film, ma funzionano soprattutto perché le loro interpreti riescono a dare personalità a personaggi che avrebbero potuto trasformarsi facilmente in semplici avversarie da eliminare. Lucy Liu trasmette una sicurezza e una freddezza che rendono O-Ren una presenza impossibile da ignorare, mentre Daryl Hannah porta in scena una tensione costante che rende Elle Driver una minaccia diversa da tutte le altre. Accanto ai protagonisti trovano spazio anche presenze preziose come Sonny Chiba, Gordon Liu e Michael Parks. Il primo dona carisma e autorevolezza a Hattori Hanzo, il secondo lascia un segno profondo nei panni di Pai Mei, mentre Parks compare in due ruoli molto diversi tra loro, confermando ancora una volta la sua straordinaria capacità di caratterizzazione. Sono contributi che occupano uno spazio limitato sullo schermo, ma che contribuiscono ad arricchire ulteriormente un gruppo di interpreti che dà spessore e personalità a ogni fase del racconto.

Per gran parte del racconto, Kill Bill sembra costruito attorno a una lista di nomi e a una serie di conti da regolare. È la struttura che mette in moto la storia e che guida ogni scelta di Beatrix. Eppure, arrivati alla fine, quella lista finisce quasi per passare in secondo piano. A contare davvero è il cammino compiuto dalla protagonista e tutto ciò che ha dovuto attraversare per arrivare fin lì. Ogni scontro lascia una traccia, ogni incontro aggiunge qualcosa e ogni ostacolo cambia il significato di ciò che sta cercando.

La vendetta è ciò che mette in moto il racconto, ma non è ciò che lo definisce davvero. Dietro ogni duello e ogni resa dei conti c’è il tentativo di recuperare qualcosa che le è stato sottratto e di ricostruire una parte di sé che sembrava perduta. È questo che continua a rendere il film qualcosa di più delle sue immagini più celebri. Perché quando l’ultima resa dei conti è ormai alle spalle, non resta la sensazione di aver assistito a una vendetta compiuta, ma a una storia arrivata esattamente dove doveva arrivare.

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